《泉》（La Source），别名《春之仙女》，是法国新古典主义画家安格尔于1830年至1856年所创作的一幅布面油画，现藏于法国奥塞美术馆。

该画运用柔和并且富有变化曲色彩和柔美的曲线，表现出女性人体的古典之美。年轻的裸女手拿陶罐，让里面的水缓缓地倾倒出来，微屈的双膝和因举起陶罐所表现出的肌肉曲线营造一种典雅、纯洁的脱俗之美。

画作内容

《泉》是安格尔的创作的一幅布面油画，该画尺寸为163x80cm，现收藏于法国奥塞美术馆。在深色的背景下，一个裸体的少女正扛着一个水罐在洗澡。她柔嫩的脚下是质感很坚硬的青灰色岩石。周围零星地点缀着几朵娇小的野花，从而烘托出一种安静、纯洁的氛围。少女的身体以米洛的维纳斯的姿态反立，同样以柔美的曲线变化展现在眼前，少女用两手扶持着左肩上的水罐，那清澈的流水正流过那玉雕一般的躯体二没有表情的脸上，现出一种纯洁、无邪的神态，尤其是那双美丽的大眼，更充满了童稚，如泉水般宁静、清亮。

创作背景

在西方古典艺术家的眼里，女性形象是他们普遍钟爱的表现对象，米洛的维纳斯，被奉为永恒的经典，代表爱与美的维纳斯，即使双臂残缺仍不失为一种美；提香塑造了乌尔比诺的维纳斯，达·芬奇塑造了好多女性形象，代表了古典艺术的典型形象……安格尔的题材并不多，甚至反反复复画同一题材、使用同一造型——女性。

1830年，安格尔在意大利佛罗伦萨逗留期间，开始为作品《泉》起稿创作，可是迟迟没有完稿。直至1856年，76岁高龄的他才在助手亚历山大·莱格菲和吉恩·保罗艾蒂安·巴尔泽的协助下完成此画。

最初在安格尔心中构思的“泉”，是仿效意大利大师们在画维纳斯时的愿望，企图使形象更单纯化的“维纳斯”样式。

艺术鉴赏

造型

在《泉》这幅画里，安格尔画了一个直立的全裸的女性身体，占据了全篇几乎三分之二的面积，她的双臂是向上举着的，裸体正面呈现在欣赏者眼前，小腹甚至微微凸出，如此舒展式的裸体给人强烈的视觉冲击，即便是在当时思想较为开放的西方，这样正面地不加掩饰地呈现女性裸体的画作也是很少见的。这是造型对欣赏者第一次的美感冲击。

经典的画作有一个特点，即和谐，这种和谐是经过深思熟虑、反复考量的，略懂绘画欣赏的人在观赏《泉》这幅画时会明白，画面的和谐感主要由裸体少女和水罐相互支撑、相互着力的平衡带来的。裸体少女将水罐架在左肩上，左手撑着罐口，右手扶着罐身，为了使身体的重心居中并且双手托罐的姿势更舒服一点，她的身体拗成了一个S型的曲线，使得整个身体的重心落在左脚上，右腿微曲右脚点地。而欣赏者也因为这种和谐妥当的安排，能得到一种合理舒适的视觉感受。这是造型美学上的第二层分析。

古典主义的造型要求严谨，安格尔认为古典主义绘画“务求线条干净和造型平整”。可是，古典主义绘画的造型严谨不仅是指人体的动作和比例要完全忠实于现实中的情况，在细节处理上画家会有自己的考量。有人认为《泉》中人物的右胳膊及躯干有被拉长和扭曲的嫌疑，但是在视觉效果上，这样的处理却是恰当的，这种理性的夸张处理服从于整个造型严谨的要求。艺术并不是完全的真实，适度的捏造和提炼能塑造韵律恰当的比例，使欣赏者眼中的画作具有提炼过的真实美。这是造型美学上的第三层分析。

第四点美学分析与欣赏者的审美经验有关。安格尔曾说“美丽的妇女太少了，他不能不按照“自己心目中的形象”来画。但艺术创作是对美的永恒追求，因此《泉》中裸体少女是综合画家对女性所有美好的想象，提炼虚构出来的一种形象。如果把少女的头部和身体分开来看，会有一种不匹配的感觉，她的头部细节刻画明显更符合古典主义的特点，略呆板刻意，而身体因为过于栩栩如生而带有浪漫主义的特征，但这就是画家认为的最美的人体造型。其实每个人脑海中都有对女性形象的想象，有的窈窕，有的丰满，有的动，有的静，少女题裁的画作往往最能激发欣赏者对审美经验的想象，引导他们更深层次地欣赏画作。欣赏者的想象与现实的画作能产生对比，产生共鸣，这种对比和共鸣才是《泉》这幅画能成为经典之作的更深层次原因。

线条

安格尔追求的线条美是永恒的、纯粹的。在对艺术形式进行大量研究后，安格尔认为最美的线条是曲线，最美的形体是带圆弧形的形体。因为柔和的圆弧线在人的心理视觉上不受任何阻力，故能引起舒适感。这种认识与美学中追捧线条的曲线美的原则是一致的。

《泉》这幅画中明确体现了安格尔这一绘画理念，画中女性站立的身姿呈现出一种S型的曲线，头部微向左边歪着，胯部倾向右边，整个身体支撑胳膊托起流水的水罐，全身上下线条流畅简练，准确地勾勒出女性优雅的身姿。这种变化的曲线是线条对视觉和审美经验的冲击。阿恩海姆分析道：“在身体的这种曲线运行中，展示出一种类似水波的曲线，这曲线使得水罐里流出来的直线形的水柱相形见绌。通过这些形式，使这个恬静的姑娘显得比那股流水更具活力，也就是说，潜在生命力比实际的力显得更加强大。”

其次，安格尔追求的线条是灵动且轻快的。《泉》的初稿是素描，安格尔对素描轮廓线的理解力和灵动的控制能力，使得他的作品中的线条有一种东方人物清秀虽然最后的和静谧的气质。在《泉》这幅画中也一样，成品是油画，同样可以捕捉到画中人物身体边缘的线条的流畅感和纤柔感，因此在欣赏者眼中这个女性形象具有一种独一无二的清秀气质。

再次，在欣赏这幅画的时候，可以感受到特别的韵律感，因为安格尔在处理轮廓边线时始终本着虚实相间的原则，从最高的右肘至下面的右脚，人物的轮廓和阴影有强弱强弱的处理，虚实得当。这一方面是为了空作感和立体感的需要，另一方面体现出了面面的节奏美。这是安格尔的《泉》线条美的第三个要点。

最后，《泉》线条美还体现在少女曲线型的身体和水罐中落下的直线水流的对比上，少女是画面的主角，曲线是整幅画的韵律和节奏，而为了使之不单调、更生动，画家安排了一条泉水平衡了整个构图，一曲一直、一动一静，恰好符合美学原则中变化和统一的规律，也使观赏者的视觉获得极大的满足。

色彩

对于恪守新古典主义的安格尔来说，他奉行的是“素描第一，色彩第二”的绘画理念，也就是说一幅画的造型比重要大于色彩的比重，他在造型上花费的精力和考量要远远多于色彩。但是安格尔画作的设色同样有其独到之处，兼顾典雅和老练、对比与和谐。

《泉》这幅画运用了暖系的色彩，以略暗的黄颜色为主色调，少女身体的前方颜色最亮，因为背景非常简单，为了丰富整幅画的色调，水罐采用了棕色。可以安格尔在《泉》的颜色设置是简单直接的，色调看出，主要按照素描的关系来处理，由对比来突出少女的主角地位，由平衡物来丰富画面色彩，视觉上就显得主次分明，饱满充实。细看少女的脸部和身体，就会发现安格尔还运用了一套虽有限度却十分精细的色彩变化，少女的肤色相比白种人偏黄，也更细腻，可能是光线偏暗，打在少女的身上使她的肤色被压暗，这种暗色使少女显得典雅庄重。而少女的脸和身体也有色彩过渡，面部偏暗，身体偏白，腿部因为背光颜色又深起来，这样的色彩安排使欣赏者的目光更容易聚焦在少女的身体上，这也是整幅画的中心视角所在，即少女曲线型的脊柱和小腹。

安格尔画作的气质特点是阴柔宁静，《泉》的颜色舒缓轻柔、淡雅精致，也突出了这样一种阴柔宁静的特点，营造出静穆典雅的氛围，符合任何时代的，主流审美观。

名家点评

北京印刷学院设计艺术学院党总支书记杨虹：该幅作品无论是造型、色彩还是整个画面的安排，都显示出独到之处，画中的裸女处于画面中心位置，为打破垂直构图给人的呆板感，安格尔特意在人物形态上作出设计，利用动感、自然的人物姿态表现出少女健康、清纯以及充满活力的印象。

后世影响

《泉》所描绘的女性美姿超越了他以往所有同类作品，是西欧美术史上描写女性人体的巅峰之作。画作创作八年后。他的家乡蒙托榜市赠予他黄金桂冠，表彰他这一杰出成就。

历史传承

《泉》一经完成，就成了惊世骇俗的名作，据画家说，当时同时出现了五个买主，有人简直向画家猛扑过来。“他们争执不休，我几乎要让他们抓阄。”1857年，《泉》被迪麦泰尔伯爵收购，成为私人藏品。这位伯爵死后，根据他的遗嘱，他的家属于1878年将此画赠给国家，成为巴黎卢浮宫内又一镇馆之宝。

作者简介

安格尔（Ingres，1780—1867）大卫的学生，新古典主义的代表画家。安格尔追求“绝对的美”，认为古希腊和拉斐尔的艺术是完美无瑕的典范，并认为造型的形式美才是绘画的根本。他推崇古典的艺术法则，强调理性原则，重视素描和线条的作用，忽视色彩的表现作用，并反对直接表达感情和想象。

代表作有《路易十三的誓言》《荷马的礼赞》《利维尔夫人像》《大宫女》《土耳其浴室》《泉》等。